Elif Hopyar
Mine Sanat Galerisi, Avustralyalı sanatçı Nara Walker’in yaşam, ölüm, yeniden doğum kavramları üstüne odaklandığı, siyanotip baskı tekniğine sahip yapıtlarından oluşan “Kore’ye Dönüş” adlı solo sergisine ev sahipliği yapıyor. Resimleri ve performansları ile bilinen Nara Walker ile sanatı, yapıtları üstüne konuştuk.
Klasik bir soruyla başlamak istiyorum. Mine Sanat Deneysel ile yollarınız nasıl kesişti?
2014 yılında dünyanın öbür ucuna, Birleşik Krallık’a taşındım ve uluslararası bir sanatçı olarak kariyer yapmaya karar verdim. Türkiye, tarih, değişen manzaralar ve insanlarla dolu benzersiz bir kaynaşım noktası. Buraya ayak basma isteği hissettim, bu nedenle Türkiye’deki çağdaş galerileri araştırmaya başladım. Mine Sanat Galerisi karşıma çıktı ve uzun bir geçmişe sahip olmaları ve sergiledikleri yetenekli sanatçılar beni etkiledi. 2015 yılında galeriyle iletişime geçtim ve ardından Mayıs 2016’da Bodrum’da “Kaosun İçinde Güzellik” adlı solo sergimi sergilemek için davet edildim. O zamandan beri galeri, işlerimi Artweeks@Akaretler gibi grup sergilerinde ve sanat fuarlarında sergiledi ve işlerimi Adana’daki Uluslararası Çocuk Üniversitesi Çağdaş Müzesi koleksiyonuna dahil etti.
Resim ve performans sanatçısı olarak tanıyoruz seni, biraz başa dönecek olursak sanat eğitiminden ve sanatı keşif yolcuğundan söz eder misin?
Pek çok çocuk gibi, çevremde keşif yapmaya meraklıydım; bu merakımı hiç kaybetmedim ve sanat yapma sürecini desteklemek için çeşitli formlarda sanat yapma sürecinde öz-yargısız derin konuları ifade etmeyi desteklemek için teknik bilgilerimi geliştirdim.
Formal eğitimim Avustralya’nın Queensland eyaletinde bulunan Griffith Üniversitesi’nde yağlı boya resim üzerineydi; 2013 yılında Sanat Lisansı ile onur derecesi aldım. 2015 yılında ilk performansımı Venedik Bienali’nde sergileyerek sanatı kamuya açmaya başladım ve 2017’de Japon performans sanatı Butoh’u öğrenmek için Berlin’de bir ay geçirdim; bu pratiğim performans sanatçısı olarak çalışmalarımı büyük ölçüde etkiledi. Video ve ses sanatı gibi farklı teknikleri öğrenmeye devam ettim ve fiziksel tiyatroyu keşfetmeye devam ediyorum.
Bir süredir İstanbul, Kadıköy’de bulunmak nasıl bir duygu? Kentin kaosu, bir sanatçı olarak seni nasıl etkiliyor?
Şehrin karmaşası bir sanatçı olarak davetkâr, çünkü beni içine çekecek bir derinlik barındırıyor. Sıkıcı bir an asla olmuyor ve sanırım konaklamamı daha uzun süre rezerve etmeliydim -şehir içinde zamanın ilerlediğinin melodisini tam olarak anlayabilmek için-.
Sıklıkla sanatçının sürecinin stüdyoda başladığını söyleriz; kalemi kâğıda sürdüğümüzde, tuvale fırça vurduğumuzda… Ancak yaratım süreci nefesimizden, içtiğimiz sudan, uyuduğumuz yerden ve yediğimiz yemekten başlar. Art Here Istanbul’da katılımcı oldum ve sergim öncesinde ve sırasında, bir sanatçı olarak günü Kadıköy’ün bir parçası olarak başlatma ve sonlandırma sürecim değişti. Şehirden ayrıldığımda şehrin beni nasıl etkileyeceği beni meraklandırıyor, çünkü günlük sürecimin bir parçası olarak karmaşa içinde olduğumdan, ayrıldığımda sessiz düşünceler içinde kalacağımı düşünüyorum. Bu alan içinde, romantik bir özlem ile geri dönme isteği kendini gösterebilir ve belki de bir sonraki serim yine “Kaosun İçinde Güzellik”ten ilham alır.
Serginin başlığı ”Kore’ye Dönüş”. Serginin dayandığı kavramsal temeller nelerdir?
Daha önceki metinde “Persephone” “Kore” olarak adlandırılmıştı. Bu tanrıça bana ilham veriyor, çünkü dünyadaki mevsimlerimizin yöneticisi olarak hikâyesi benim için önemli. Bazıları Kore’nin kendini ikiye ayırdığını söyler, yeraltının kraliçesi olarak hükmetmek ve kendini başka biri olarak deneyimlemek için. İnsan olmanın getirdiği ikilikle ilgilendiğim bu anlatıdan etkilendim, bu nedenle ruhun hayat boyu yolculuğunu, yeniden doğmak için ölümle karşılaşmasını anlatan bir seri oluşturdum. Yeraltını kelime anlamıyla anlamak yerine, ben bilinçaltı dünyamızı gölge dünyası olarak kullanmayı tercih ettim.
Sergide en temel yaşamsal kaygımız, yaşam-ölüm siyanotip baskıyla tuvale aktarıyorsun. Bize neden siyanotip baskıyı tercih ettiğinden bahseder misin?
“Kore’ye Dönüş”, kendilik ve dişi özün gölge yönlerini ele alıyor; siyanotip baskılar, işin tam olarak bu şekilde sunulmasını sağladı, çünkü tuvale yerleştirilen gölgenin UV duyarlı ortam aracılığıyla farklı renk tonlarında basılması oldu. Bu serinin temel unsurunu oluşturan şey doğaya olan bağlantıdır. Siyanotip baskı, doğal dünyayı bir rüya gibi iletebilmeme olanak sağladı.
Sanat tarihinde maviye yüklenilen anlamlar hayli farklı. Hitchcook’ta endişe, sıkıntı; Haneke’de kaygı; Matisse’de neşe, eğlence; Chagall’da ise aşkı temsil ediyor. Ben sergide derinlik, yaşam ve sonsuzluk gibi kavram ve duyguları hissettim. Bu serinin çıkışını ve mavinin sendeki anlamını merak ediyorum.
Renk, onunla ilişkilendirdiğimiz şeylere veya bize nasıl hissettirdiğine göre subjektif olabilir. Renk, pratiğimde dramatik bir rol oynamıştır. “Kore’ye Dönüş” adlı performans çalışmamda, mavi sezgisel olarak seçilen başlıca bir renk haline geldi ve etkili bir şekilde mavi baskılar resmi ve performansı tek bir potada eritti. Siyanotip baskısı her zaman orijinal formunda mavi olacağından, onu bu tonlarda tutmaya karar verdim çünkü doğanın öğeleriyle uygun göründü. Güneşi mavi bir gökyüzünde görebiliriz ve suyun derinlikleri mavileşebilir, bu seri içindeki mavi, havaya ve suya olan bağlantıyı yansıtırken berrak bir rüya gibi bir durumu gösterir. Antikite’den Rönesans’a temel kavramlardan yeniden doğum.
Nelerden ilham alıyorsun, bir sanatçı olarak yaşadığın coğrafya, kültürden nasıl etkileniyorsun?
Yeniden doğuş kavramı, ruhsallık, felsefe, sanat tarihi ve mitoloji içinde tanıdığım bir kavramdır. Bu, yaşamımız boyunca sürekli olarak egonun ölümünü görerek evrimleştiğimize inandığım bir şeydir. Kaos ve düzen etrafında dönen kavramlardan ve fiziksel dünyayı oluşturan bu enerjilerin değerlerinden ilham alıyorum; yaşamın kaosu sayesinde sonunda ölüme gidebilir ve yeniden doğabiliriz. Bir yaşam boyunca, Harry R. Moody ve David Carrol’un “Ruhun Beş Aşaması” olarak tanımladığı gibi, ruhun, Çağrıyı işitebileceği, Arayışı arayabileceği, Mücadeleyle yüzleşebileceği, Atılımı öğrenebileceği ve Dönüşü paylaşabileceği bir açılma olduğuna inanıyorum. Bu beni bir kadın olarak ilgilendiriyor, çünkü kadın olmanın birçok özelliği vardır ve toplum genel olarak bize karşı tutulur; dünya genelinde bir kadının değerinin büyük ölçüde doğurgan yıllarında olduğu ve sonrasında olmadığı bir gerçektir, bunu, toplumun ölüm korkusu olarak görüyorum, çünkü kadınlar yaşamı doğururlar. “Kore’ye Dönüş”, Persephone’un hikayesi aracılığıyla yeniden doğuşun döngüsüne bağlanır, çünkü o mevsimler aracılığıyla bu döngüyü temsil eder ve yeraltının bilinçdışını bizim uyanık halimizin bilinçli durumuyla ilişkilendirir.
Coğrafya ve çevrenizdeki kültür, bir sanatçı olarak sizi nasıl etkiler?
Farklı yarımkürelerdeki ışık, renk paletimdeki ilişkiyi değiştirebilir veya bağlı olduğum yer, doğduğum yer veya periyodik olarak ziyaret ettiğim bir yer olabilir. İnsanlarla yaptığım konuşmalar veya duyularımın, benim için yeni olan kültürlerden gelen ritüeller veya bir manzaranın varlığı tarafından nasıl harekete geçirildiği, her biri bilinçaltımdan süzülen işime etki eder; bu, renk patlaması, şekil veya hareket olarak ortaya çıkabilir. Ben, subjektif deneyimlerden yola çıkarak çalıştığımdan, yeni bir yerde bulunmak aynı zamanda benim yaşadığım dünyanın anlayışımı da değiştirebilir ve kaçınılmaz olarak işimde tasvir ettiğim kavramlar arasında dolaşırken kendini gösterebilir.
Rüyalar da pek çok sanatçının tuvaline, metnine aktardığı imgelerden. Senin resimlerinde de yaratılan belirsiz, tekinsiz atmosferde bunu görebiliyoruz. Sanat ve psikoloji bağlamında rüyalar, imgeler sanatının neresinde duruyor?
Benim canlı bir rüya durumum var ve sık sık rüyalarımdaki sembolleri bilinçaltımdan veya kolektif bilinçten gelen mesajlar olarak atfederim. Yaratıcı sürecim fiziksel bir meditasyon gibidir. Rüyalarım gibi, ben de arketipler, semboller ve deneyimler aracılığıyla mesajlar alırım ki, psikolog Carl Jung’un tanımladığı gibi, bunlar tüm insanlarda bulunur. Boyadığım, performans sergilediğim, yazdığım veya çizdiğim sırada fiziksel eyleme odaklanırım; bedenim meşguldür ve kendimi bir rüya durumu veya meditasyon gibi yönlendirirken bulurum. Ancak iç dünyadan fiziksel dünyaya bir şey yönlendiriyorum. Buradan belki performanslara geçebiliriz. Derin, sonsuz bir döngü gibi.
Resimlerine de kendi bedenini dahil etme fikriyle neyi amaçlıyorsun?
Sanat subjektif bir şeydir, ancak kolektif olarak üzerinden bağlantı kurabiliriz. Kendi bedenimi işlerimde kullanıyorum, bu da benim için önemli konuları tartışmak, onları somutlaştırmak ve bedenim aracılığıyla bir ifade biçimi olarak sesimi kullanmak anlamına geliyor. Performansta kendimi, başkalarının bir şeyler hissetmelerini teşvik etmek için uygun bulduğum bir şekilde paylaşmanın bir yolu olarak buldum. Çocukluğumdan beri bedenimle özgürce hareket ediyorum, bazen sözel dilden daha fazla hareketle ifade ediyorum; bu benim için bir ruhsal bir pratiktir. Beden, bizi şu an zamana, atalarımıza ve yaşamın ne olduğuna bağlayabilir.
Sanat pratiğin açısından, soyut dışavurumcu olarak tanımlamak mümkün mü? Bu konudaki fikrin nedir?
Çalışmalarım her türlü dışavurumcu formda ve çoğu zaman soyut olarak tanımlanabilir, çünkü boyadığım veya çizdiğim formları düzene iten bir şekilde oluşturmuyorum. Yaratırken, bana figürler ve yüzler görünür; bir hikaye açılabilir, bu nedenle bunun tamamen soyut olduğunu söyleyemem, ancak benim gördüğüm şey izleyici tarafından her zaman görülmeyebilir. Bir bakıma, bu pratiğimin bir unsurunu seviyorum çünkü izleyici eserle benzersiz bir ilişki kurabilir.
